Možemo reći da je feministička umjetnost službeno počela godine 1978., kada je argentinska umjetnica Lea Lublin marširala do rijeke Seine u Parizu zajedno s umjetnicama u kolektivu Femmes/Art. Nosila je transparent s 25 pitanja koja su skrenula pozornost na stereotipe o ženama, uključujući: “Je li žena inferiorno biće?” i “Je li žena seksualni objekt?” Kako bi zaključila ovaj dan feminističke akcije, bacila je transparent u rijeku. Rad Lee Lublin i njena javna obrada i uništavanje pridružili su se rastućem pokretu umjetnica, teoretičara i pisaca koji promiču prava i glasove žena diljem svijeta.
Feministička umjetnost i najpoznatije umjetnice
Dok se 1960-e i 70-e često smatraju početkom feminističke umjetnosti, umjetnici su davno prije toga osporavali mušku dominaciju u umjetnosti i društvu te očekivanja o ženstvenosti. Kako se feminizam nastavlja razvijati, i on i feministička umjetnost proširili su se kako bi uključili više glasova i perspektiva.
U ovom članku istražujemo kako je šest umjetnica koje su djelovale kroz stoljeće koristilo feminističke strategije u osnaživanju sebe i zagovaranju drugih, preuzimanju vlastitog samoizražavanja, poticanju veza kroz suradnju i pomicanju granica umjetničkih medija.
Claude Cahun
Claude Cahun koristila se fotografijom i pisanjem kako bi istražila više aspekata vlastitog identiteta. Kao mlada je počela je izrađivati autoportrete. U 1920-ima Cahun se preselila u Pariz sa svojom polusestrom Marcel Moore, koja joj je postala umjetnička suradnica i životna partnerica. Slike koje su zajedno napravile uglavnom prikazuju Cahun u različitim kostimima i okruženjima koja se koriste za stvaranje različitih likova.
Tako postoji njen crno-bijeli portret s obrijanom glavom i muškom jaknom. Pozirajući bez kose – jer kosa je bila glavni simbol ženstvenosti – i noseći odjeću koja se tradicionalno smatra muževnom, Cahun je potkopala pojam fiksnog identiteta i dovela u pitanje rodnu binarnost muškog i ženskog. Smatrala je da njen projekt samo oslikavanja nema kraja, pa je u svojoj knjizi Aveux non avenus (Odricanja) iz 1930. godine, u kojoj je objavljena ova fotografija, napisala: “Ispod ove maske, još jedna maska; Nikada neću završiti uklanjanje svih ovih lica.”
Razmotrite riječ “identitet”. Što vam to pada na pamet? Cahun je koristila riječ “maska” kako bi govorila o svom identitetu.
Frida Kahlo
Frida Kahlo portretirala je uvijek iznova samu sebe, istovremeno istražujući, propitujući i inscenirajući sebe i svoj identitet. “Slikam autoportrete jer sam često sama”, objasnila je, “jer sam osoba koju najbolje poznajem.” Godine 1939. Kahlo se razvela od svog supruga, umjetnika Diega Rivere. Ubrzo nakon toga odrezala je kosu i naslikala jednu posebnu sliku. Kahlo se na njoj prikazuje u prevelikom muškom odijelu i grimiznoj košulji – vjerojatno u košulji svog bivšeg muža – kao i u cipelama s visokom petom i visećom naušnicom. U jednoj ruci drži škare, a u drugoj pletenicu kose, a njezine ošišane vlasi kao da joj klize i uvijaju se oko njezinih stopala.
Kahlo je uglavnom poznata po svojim duboko osobnim autoportretima, a često je vlastita životna iskustva pretočila na platno. Njezin se rad retrospektivno smatra feminističkim jer je umjetnica ženama omogućila da izvana pokažu svoje boli, frustracije i strasti, te je stoga napravila korake prema njihovom osmišljavanju i razumijevanju. Njezino uvjerenje i sirovi talent, značili su da je mnogima postala uzor.
Iznad prizora, uz glazbene note, nalaze se stihovi meksičke narodne pjesme: Mira que si te quise, fué por el pelo, Ahora que estás pelona, yo no te quiero. Ili, na engleskom, “Gledaj, ako sam te volio, to je bilo zbog tvoje kose. Sad kad si bez kose, više te ne volim.” Slika prikazuje i nasilje razdvajanja i zadovoljstvo novostečene neovisnosti: “Nikad nisam slikala snove. Slikala sam vlastitu stvarnost.”
Ruth Asawa
Rođena u Kaliforniji, Ruth Asawa započela je svoje umjetničko obrazovanje kao tinejdžerka pohađajući satove slikanja i crtanja u logoru. Ona i njezina obitelj bili su među tisućama ljudi japanskog podrijetla koje je američka vlada prisilno zatvorila tijekom Drugog svjetskog rata. Nakon što je puštena, htjela je postati učiteljica, ali nije uspjela dobiti licencu zbog svog japanskog podrijetla. Asawa se upisala na Black Mountain College, eksperimentalnu umjetničku školu u Sjevernoj Karolini, gdje su je potaknuli da istraži mogućnosti različitih materijala. Tijekom svoje karijere bila je neumorna zagovornica umjetničkog obrazovanja u državnim školama San Francisca i osnovala je program koji je integrirao umjetnost i vrtlarstvo.
Godine 1955. Asawa je stvorila ovo neimenovano djelo umotavajući žicu s tiplom – proces koji je usporedila s “crtanjem u prostoru.” Kada je prvi put izložila svoje žičane konstrukcije, kritičari su njezin rad kritizirali u rodnim terminima, nazivajući ga dekorativnim i domaćim.
Senga Nengudi
Senga Nengudi manipulira proizvedenim i prirodnim materijalima na načine koji pozivaju publiku da istraže svoje odnose s vlastitim tijelom, ali i drugim tijelima. Nengudi je započela svoju karijeru usred Pokreta crnih vještina, koji je promicao osnaživanje crnaca 1960-ih i 70-ih godina kroz umjetnost i kulturu. Tijekom tog vremena usmjerila je svoje interese za crnački identitet, ples, japansku kulturu i duhovnost u umjetničku praksu i u život dovela R.S.V.P..
Napravljene od najlonki napunjenih pijeskom, rastegnute i privezane za zidove, R.S.V.P. odražava ono što Nengudi naziva “elastičnost” ženskih tijela ili njihovu sposobnost da se rastegnu. Na to je utjecalo njezino iskustvo promjena na tijelu tijekom trudnoće. Neke od najlonki koje je Nengudi koristila bile su “prožete energijom žena koje su ih nosile”. Na ovaj način R.S.V.P. moglo bi me se smatrati okupljanjem duhova žena koje su nosile najlonke. Nengudi je rekla: “Pronalazim različite načine za korištenje materijala koje drugi smatraju beskorisnim ili beznačajnim, pružajući dokaz da zanemareni i obespravljeni također mogu imati otpornost i sposobnost reformiranja da pronađu svoje poetično ja.”
Howardena Pindell
Godine 1979., nakon što je 12 godina radila kao kustosica u Muzeju moderne umjetnosti, Howardena Pindell doživjela je prometnu nesreću zbog koje je djelomično izgubila pamćenje. Nekoliko mjeseci kasnije snimila je Free, White and 21, ilustrirajući oštru podjelu između crno-bijelih američkih iskustava pojavljujući se i kao ona sama i kao bjelkinja. U njemu Pindell prepričava rasizam koji je iskusila od ranog djetinjstva do odrasle dobi, dok njezin bijeli lik odbacuje Pindellina iskustva izjavama poput “stvarno si paranoičan” i “nećeš postojati dok te ne potvrdimo”.
Pindell pripisuje zasluge pokretima za građanska prava i pokretu za oslobođenje žena što su joj pomogli da otkrije vlastiti glas: „Razvila sam niz alata za gledanje sebe iznutra, osobnu procjenu kroz procese podizanja svijesti ženskog pokreta kako bih razumjela kako rasizam i seksizam djeluju unutar umjetničkih zajednica kao i zajednice u cjelini. Pronašla sam svoj pravi glas kroz afroamerički pokret, ali sam svoje iskustvo razvila u ženskom pokretu kasnih 1960-ih i ranih 1970-ih.”
Cara Romero
Cara Romero svoju kameru koristi za dijeljenje “samopredstava” autohtonih američkih žena kao način suprotstavljanja “životu indijanskih žena i indijanskog naroda predstavljenih na dehumaniziran način”. Pripadnica indijanskog plemena Chemehuevi, Romero je rano shvatila da su popularni prikazi američkih domorodaca – osobito žena – obično netočni. Njezina serija fotografija First American Girl suočava se s ovim stalnim stereotipima koji spajaju različite domorodačke kulture. Koristeći portrete velikih razmjera, ona u središte pozornosti stavlja žene iz plemenskih nacija diljem današnjih Sjedinjenih Država, od kojih je svaka postavljena poput lutki u kutijama.
Judy Chicago
Judy Chicago američka je umjetnica koja je bila ključna figura feminističkog umjetničkog pokreta. Njeni radovi često uključuju stereotipne ženske umjetničke vještine poput ručnog rada, u ravnoteži sa stereotipnim muškim vještinama poput zavarivanja i pirotehnike.
Stvorila je jedno od najslikovitijih djela ovog razdoblja. Pod nazivom The Dinner Party (1979.), instalacija je sadržavala 39 posuđa poredanih duž trokutastog stola za razne mitske i povijesne žene. Djelo je funkcioniralo kao simbolična povijest žena u zapadnoj civilizaciji.
Cindy Sherman
Cindy Sherman je američka fotografkinja i filmska redateljica, a postala je najpoznatija po svojim konceptualnim portretima. Tijekom svoje karijere istraživala je identitet i prirodu reprezentacije kao inspiraciju koristeći filmove, TV, časopise i povijest umjetnosti. Sherman često radi kao vlastiti model i uhvatila se u nizu oblika i likova koji su istovremeno zabavni i uznemirujući, neukusni i dojmljivi.
Radeći od 1970-ih, fotografkinja se često poigrava sa ženskim stereotipima, ali Sherman nikada nije otvoreno rekla da je feministička umjetnica, već želi da rad govori sam za sebe. Jednom je rekla: “Rad je takav kakav jest i nadamo se da će se na njega gledati kao na feministički rad ili rad koji savjetuju feministice… Ali neću ići okolo i zagovarati teorijska sranja o feminističkim stvarima.”
Barbara Kruger
Barbara Kruger američka je konceptualna umjetnica i suradnica. Većina njezinih radova sastoji se od crno-bijelih fotografija, prekrivenih prodornom grafikom i privlačnim sloganima koji prenose njezine ideje o moći, identitetu i seksualnosti. Ova odvažna estetika inspirirana je njezinim vremenom koje je radila kao grafička dizajnerica u Conde Nastu. Važna značajka Krugerinog rada je njezina upotreba zamjenica kao što su “ti”, “tvoj”, “ja”, “mi” i “oni”, što je često impliciralo gledatelja i prisiljavalo ga da se pozabavi vlastitim mišljenjem.
Kiki Smith
Kiki Smith američka je umjetnica rođena u Zapadnoj Njemačkoj čiji se rad bavio temama seksa, rođenja i regeneracije. Smith je bila dio drugog vala feminističke umjetnosti (zajedno s Kruger i Sherman) i pronašla je nove načine za istraživanje društvenih, kulturnih i političkih uloga žena u svom radu.
Smithov kasniji rad postao je usredotočen na ljudsko tijelo i stvaranje neugodnih umjetničkih djela koja se fokusiraju na tijelo ili njegove dijelove s velikim detaljima inspiriranima ženama iz mitologije i folklora, kao i pozivajući se na katolički odgoj. Smith je bila jedna od prvih umjetnica koja je izdvojila figurativni rad u svijetu umjetnosti nakon što su godinama apstrakcija i minimalizam dominirali scenom.
Lorna Simpson
Rođena 1960., Lorna Simpson je afroamerička fotografkinja i multimedijska umjetnica koja je svoj uspjeh postigla 1980-ih i 90-ih. Iako je umjetnica tijekom desetljeća mijenjala provedbu svojih ideja, teme vezane uz spol, identitet, rasu, kulturu, povijest i sjećanje neprestano se istražuju unutar njezina rada.
Simpson je najpoznatija po svojim foto-tekstualnim instalacijama i foto kolažima koji često razotkrivaju percepciju afroameričkih žena unutar američke kulture. Djela su kombinirala portretne slike ženske figure s upisanim riječima ili malim rečenicama kako bi stvorila snažan dijalog koji izaziva gledatelja.
Georgia O’Keeffe
Georgia O’Keeffe bila je američka umjetnica i bila je najpoznatija po svojim slikama cvijeća, njujorških nebodera i pejzaža Novog Meksika. Često prepoznata kao “majka američkog modernizma”, O’Keeffe je radila tijekom 1920-ih pa sve do 1960-ih. Slavljena je zbog svog neovisnog duha i inovativnih radova koji su unijeli senzualne, feminističke slike u njezina umjetnička djela.
Njezin je rad bio toliko revolucionaran da je Judy Chicago umjetnici dala istaknuto mjesto u svom umjetničkom djelu The Dinner Party. Dok su je suvremenici hvalili, O’Keeffe je odbijala pridružiti se feminističkom umjetničkom pokretu, kao i surađivati s bilo kakvim “samoženskim” projektima. Nije joj se sviđalo da je nazivaju “feminističkom umjetnicom” i umjesto toga željela je da je smatraju samo “umjetnicom”.
The Guerilla Girls
The Guerilla Girls osnovane su 1985. u New Yorku, a ova anonimna grupa stvara radove koji su postali poznati po borbi protiv seksizma i rasizma u svijetu umjetnosti. Djelovanje grupe često ima oblik postera, knjiga, jumbo plakata, a također i javno istupaju kako bi razotkrile diskriminaciju i korupciju.
The Guerilla Girls ostaju anonimne, a kako bi se prikrile članice nose maske gorila i koriste pseudonime koji se odnose na preminule umjetnice. Jedan od razloga za to je taj što grupa vjeruje da su problemi protiv kojih se bore veći od njihovih pojedinačnih identiteta.
Sarah Lucas
Britanska umjetnica Sarah Lucas dio je generacije mladih britanskih umjetnika koja se pojavila tijekom 1990-ih. Njezini radovi često koriste vizualne dosjetke i nepristojan humor, a, kako bi ostvarila svoje ideje, koristi se fotografijom, kolažem i pronađenim predmetima.
Lucas se bavi ležernom mizoginijom svakodnevnog života. Na primjer, u svom djelu Two Fried Eggs and A Kebab (1992.), umjetnica odražava način na koji britanski muškarci seksualiziraju žensko tijelo u vulgarnom slengu. Mizogini termini predstavljeni su doslovno – pečena jaja predstavljaju grudi, a meso asocira na vaginu. Rad implicira gledatelje koji su prisiljeni prepoznati tu pogrdnu percepciju žena.
Susan Hiller
Umjetnička praksa Susan Hiller uključuje instalaciju, video, fotografiju, performans i pisanje. Hiller je pripadala prvom valu feminističkih umjetnica i isprva joj je rečeno da će joj to uništiti karijeru. “Imala sam profil kao zanimljiva konceptualna umjetnica,” rekla je za The Observer 2011. godine, “A onda, nakon feminizma, moja je pozicija uznemirila mnoge kreatore mišljenja.”
Hillerin rad temelji se na vizualnom jeziku minimalizma i konceptualne umjetnosti i sada kao glavne utjecaje na njezin rad navodi minimalizam, fluksus, nadrealizam i njezino proučavanje antropologije. Iako se njezin rad ne bavi eksplicitno temama roda ili spola, njezino iskustvo žene i njezini feministički ideali oblikovali su njezin umjetnički pristup.
Louise Bourgeois
Francusko-američka umjetnica Louise Bourgeois najpoznatija je po svojim velikim skulpturama i instalacijama. Teme koje istražuje Bourgeoisovo djelo uključuju domaćinstvo i obitelj, seksualnost i tijelo, kao i smrt i podsvijest.
Iako je umjetnica bila aktivna feministica, odbacila je ideju da je njezina umjetnost feministička. Često je prikazivala žensko tijelo, a tijekom 1960-ih njezine su slike postale seksualnije dok je istraživala odnos između muškaraca i žena.
Sedamdesetih godina prošlog stoljeća umjetnica je u svom domu održavala okupljanja na koja je pozivala mlade umjetnice i studente da podijele svoje radove i često ih je poticala da stvaraju umjetnost koja je bila feminističke prirode.
Kara Walker
Radovi afroameričke slikarice i grafičarke Kare Walker istražuju rod, seksualnost i identitet. Kao feministička umjetnica, svojom je umjetnošću napravila korak dalje baveći se temama kao što su rasa i nasilje.
Walker je najpoznatija po svojim umjetninama veličine sobe s crnim siluetama izrezanim na bijeloj podlozi, koje se bave poviješću američkog ropstva i rasizma kroz nasilne i uznemirujuće slike. Kao dio kasnijih valova feminističke umjetnosti, Walker ima za cilj ponovno ispisati povijest kako bi se u njoj “prepoznala”.