Skulptura je u modernoj eri prošla kroz mnoštvo transformacija; od Rodinovih emocionalno nabijenih, erotskih figura iz 1880-ih, preko Juddovih geometrijskih, stoičkih formi iz 1960-ih, do sadašnjeg pristupa suvremenih kipara koji prihvaća apsolutno sve. Danas zato nastaju, možemo reći, izvanredne skulpture jer kiparstvo 21. stoljeća više nema nekih apsolutnih granica.
Naravno, najbolji (ili barem najbolje zapamćeni) umjetnici koriste svoje radove kako bi odgovorili na goruće političke i emocionalne probleme svog vremena. U ovim prvim godinama novog tisućljeća, kipari su se usredotočili na pitanja uključujući stalno rastuće moderno otuđenje, suvremene predodžbe o rodu, rastuće napetosti povezane s globalnim sukobima, globalno prisilno raseljavanje, pa čak i sam medij skulpture.
Prvih 22 godine novog milenija bili smo svjedoci pravog procvata suvremene umjetnosti, sa široko raspršenim pristupima i medijima koji su se širili u svim područjima umjetničkog djelovanja, dok se umjetnici bore da shvate smisao promjenjivog, ali sve više međusobno povezanog svijeta umjetnosti.
U nastavku ovog članka izdvojili smo neke od najznačajnijih djela, odnosno neke izvanredne skulpture koje ilustriraju i prikazuju raznolike i inovativne načine koje koriste umjetnici 21. stoljeća.
MARCELO CIDADE
Imóvel, 2004.
Šezdeset i jedna betonska kockica uredno složena u kolicima supermarketa. Osim što posuđuje značenje iz jezika minimalizma, skulptura evocira modernističke nebodere u umjetnikovom rodnom gradu São Paulu. Kao što naslov djela sugerira, kolica su postala beskorisna, nepomična (imóvel) zbog same težine koju nosile. Beton je česti materijal koji se pojavljuje u radu mladog brazilskog umjetnika, aludirajući na val utopijske modernističke arhitekture koja je obećavala transformirati toliko mnogo latinoameričkih gradova, što vjerojatno nije uspjela ispuniti. Urbano okruženje središnja je briga za Cidade, čiji se radovi bave jezikom, politikom i poviješću umjetnosti. Njegove skulpture, instalacije, filmovi i akcije istražuju postmoderno stanje grada i odnos između javnog i privatnog prostora. Dok Cidadeovi studijski radovi često uključuju urbane elemente, bivši umjetnik grafita također izvodi suptilne i anonimne intervencije na samim ulicama.
Izvanredne skulpture Andreasa Slominskoga
Monkey Trap, 2004.
Dok su skulpture kao što je Monkey Trap metafore za način na koji umjetnik zarobljava intelektualnu znatiželju gledatelja, one su također zamke u smislu da mame gledatelje na konstruiranje interpretacija, a zatim se zatvaraju – tvrdeći da su ipak zamke. Monkey Trap navodno se oslanja na pohlepu majmuna, koja ga tjera da uhvati bananu iako je prevelika da bi se izvadila iz kaveza. Može li ovo biti prava metoda za hvatanje majmuna ili je to priča o čupavom psu – još jedna vrsta zamke za lakovjerne? U radovima kao što je Imprint of the Nose Cone (2005.), ništa više od ulubljene ploče od pjene, gledatelji se ponovno mogu osloniti samo na nestašnu riječ Slominskog.
Izvanredne skulpture Uga Rondinonea
Moonrise. East. april 2006.
Rondinone je umjetnik kojeg je lakše prepoznati po njegovom senzibilitetu – nježno duhovitim, melankoličnim tihim trenucima iznenađenja i užitka u svakodnevnom životu – nego po svojoj raznolikoj temi. Tijekom svoje karijere, ovaj je njujorški umjetnik zračnim kistom izradio mnoga zanimljiva djela; kružne slike koje podsjećaju na mete, vesele znakove s duginim uzorcima poput Hell Yes! (2001.) i, u novije vrijeme, divovske statue napravljene od grubo isklesanih gromada stijena, postavljene na Rockefeller Plazi u New Yorku (Human Nature, 2012.). Moonrise. East. april pripada seriji od dvanaest dijelova glinenih glava, od kojih je svaka naslovljena prema drugom mjesecu u godini. Početne skulpture rađene su u glini; umjetnikovi tragovi prstiju sačuvani su u konačnim brončanim odljevima, koji su oslikani tako da nalikuju izvornom materijalu. Izrađujući ova monstruozna, ali prijateljska lica, Rondinone meditira o prolasku vremena i važnosti sanjarenja i maštanja.
Izvanredne skulpture Ise Genzenken
Hospital (Ground Zero), 2008.
Skulptura prikazuje skup različito raspoređenih objekata obavijenih tkaninom, čime se sugerira obris nebodera. Ovo je jedan od niza arhitektonskih prijedloga koje je umjetnica napravila za nekadašnje mjesto Svjetskog trgovačkog centra u New Yorku. Pojava je slučajna i nesigurna. Međutim, Genzken je surađivala s timom građevinskih inženjera kako bi osigurala da se mogu izgraditi u mjerilu tornjeva blizanaca. Genzken se ne može definirati jednim medijem ili tradicijom, ali je razvila osebujnu estetiku i koristi se motivima koji se ponavljaju. Njezin rad sadrži blistav smisao za humor. Ona stvara spomenike i građevine koje istražuju pojmove izgradnje i dekonstrukcije kroz bezbrižnu perspektivu. Hospital (Ground Zero) slavi razorni povijesni događaj, ali gradi šarenu, optimističnu i humanu počast.
Andro Wekua
Sneakers 1, 2008.
Sablasno realna voštana figura tamnokose djevojke koja sjedi pogrbljeno, s glavom zabijenom u koljena. Na leđima joj je naslikan šara harlekina, a na tjemenu joj se smiješi kazališna maska okrenuta prema stropu. No, djevojka je gola i ima samo par ljubičastih tenisica. Postavljena je na vrh improviziranog stola sastavljenog od raznih dijelova, koji stoji na paleti od aluminija.
Paleta i stol čine funkcionalno postolje, ali njihova je prisutnost toliko posebna da služe i kao uređaj za dodatno usmjeravanje pozornosti na figuru. Kao dio serije lutki od lijevanog voska, u kojima iste tenisice igraju stalnu ulogu, Wekua je prikazao sliku dječje samoće i usamljenosti. U svojim skulpturama, slikama i fotografijama oslanja se na osobne i zajedničke ikonografije kako bi razvio narative kroz koje istražuje ljudsko iskustvo na raskrižjima individualnog i kolektivnog sjećanja, identiteta i povijesti.
Izvanredne skulpture Tonyja Cragga
Lost in Thought, 2011.
Ova visoka skulptura napravljena je od stotina slojeva laminirane šperploče. Njegove zavojite krivulje i udubljenja omogućuju gledateljima da vide unutra i kroz složenu strukturu. Usvajajući intuitivan pristup, Cragg je dopustio da djelo poprimi organski oblik, nadograđujući ga sloj po sloj iznutra prema van. Za umjetnika, to je povezano s idejom izgubljenosti u vlastitim mislima i društvenom obranom koju podižemo kako bismo se zaštitili. Cragg se pojavio 1980-ih kao ključna figura pokreta New British Sculpture, grupe kipara čija je proizvodnja objekata označila odmak od konceptualnih praksi koje su karakterizirale prethodno desetljeće. Oslanjajući se na svoje rano školovanje za znanstvenika, Cragg neprestano eksperimentira s novim materijalima, stilovima i tehnikama. Radeći s broncom, staklom, gipsom, čelikom, drvom, glinom, plastikom, kao i pronađenim predmetima, nastavlja istraživati i širiti jezik kiparstva.
Izvanredne skulpture Joane Vasconcelos
Lilicoptere, 2012.
Za ovu skulpturu Vasconcelos je helikopter Bell 47 ukrasila nojevim perjem i tisućama kamenčića. Njegova raskošna unutrašnjost dodatno je ukrašena zamršenom stolarijom, raskošnom pozlatom i izvezenim presvlakama. Nadahnuta raskošnim okruženjem palače Versailles u Francuskoj, gdje je prvi put izložen, Vasconcelosin rad oslanja se na veliku estetiku Ancien Régimea, spekulirajući o tipu motoriziranog vozila u kojem bi Marija Antoaneta mogla uživati da je danas živa. Ovakvi ekstravagantni i duhoviti projekti tipični su za lisabonsku umjetnicu koja uobičajene predmete dekontekstualizira i subvertira, dajući im nova značenja. Zalazeći u prošlost, Vasconcelos nudi kritiku sadašnjosti, istražujući teme roda, klase i identiteta. Velik dio njezina rada bavi se feminističkim temama i često koristi zanatske tehnike i materijale vezane uz zanate povezane sa ženskim radom. Vasconcelos je prvi put privukla međunarodnu pozornost na Venecijanskom bijenalu 2005. godine kada je izložila divovski luster napravljen od tampona.
Izvanredne skulpture Nikole Hloboa
Ndize: Tail, 2012.
Radeći s različitim materijalima kao što su koža, čipka, saten i gumene zračnice automobilskih guma, južnoafrički umjetnik Hlobo stvara velike instalacije, kao i slike, crteže i radove temeljene na performansima. Ndize: Tail prikazan je preko zidova i poda galerijskog prostora, a mješavina vrpci jarkih boja, kože i gume spaja se kako bi oblikovala dizajn koji je apstraktan, ali sugerira nešto organsko, možda ostatke ogromne raznobojne zvijeri . Predmeti koje Hlobo koristi imaju višestruke reference, na Xhosa kulturu kao i na urbani život u Johannesburgu. Njihovo značenje u njegovom radu je dvosmisleno: Hloboova upotreba kože, na primjer, odnosi se na važnost stoke za narod Xhosa, iako ju umjetnik također koristi za stvaranje seksualiziranih slika, uključujući aluzije na fetiš opremu. Hlobo se također poziva na rod, namjerno miješajući materijale koji se tradicionalno smatraju muškim i ženskim.
Yto Barrada
Twin Palm Island, 2012.
Kao rodni grad Yto Barrada, Tangier pruža društveno-političku pozadinu za njezine brojne aktivnosti kao umjetnice i aktivistice. Udaljen oko samo 13 km od Europe, grad je ujedno i mjesto gdje se uzdaju nade afričkih migranata i raskrižje civilizacija. Barradin rani fotografski rad nudio je tiho proganjajuće slike krajolika i ljudi Tangera, i često se oslanjao na implicirana odsustva: knjiga njezinih fotografija objavljena 2005. godine bila je naslovljena A Life Full of Holes. Njezina izložba Riffs iz 2012. i monografija iz 2013. proširile su opseg njezina istraživanja izvan grada na okolni “treći krajolik”. Twin Palm Island dio je umjetničine kritičke procjene upotrebe botaničkog bilja u marokanskom javnom prostoru, uključujući fotografije, filmove, skulpture i plakate s polivalentnim simbolom palme.
Izvanredne skulpture Sarah Lucas
Patrick More, 2013.
Lucas se ranih 1990-ih pojavila kao vodeća članica Mladih britanskih umjetnika, nepoštene i ambiciozne skupine čiji su afinitet prema vernakularnoj kulturi radničke klase i snalažljivost nakon Thatcherove DIY omogućili brzo i široko priznanje. Godine 1993. Lucas je s Tracey Emin otvoriola trgovinu koja je prodavala ručno rađene drangulije i zatvorila se nakon šest mjeseci.
Lucasina serija Bunny, započeta 1997. godine, temeljila se na figurativnim skulpturama napravljenim od tajica punjenih vatom. Tajice su postale kvrgave, raširenih nogu, koje je Lucas često pričvršćivala za stolice, kao da sjede. Ti su radovi doveli do druge serije, NUDS (2009.), u kojoj je vezala punjene tajice u apstraktne (iako tjelesno sugestivne) objekte koji stoje na postoljima. U novijim djelima, među kojima je Patrick More, Lucas prikazuje mekane skulpture u poliranoj bronci, izričito priznajući utjecaj modernističkih kipara iz sredine stoljeća kao što su Henry Moore i Barbara Hepworth koji su dugo zasjenjivali Lucasin rad.
Izvanredne skulpture Giuseppea Penonea
Albero porto-cedro (Vrata-Stablo-Cedar), 2012.
U hodniku palače Versailles stoji deblo velikog cedra. U središtu je oblik mladice, koji je mukotrpno izrezbario umjetnik koji je sloj po sloj klesao godove stabla. Za Penone stablo postoji kao skulptura koja pamti svoj život u svom obliku. Svojim rezbarenjem on iskopava njegovu prošlost, pozivajući se na skromne početke stabla i evocirajući životnu snagu koja postoji u svim živim bićima. U Penoneovim radovima često se pojavljuje drveće i on nastavlja održavati blizak odnos sa svijetom prirode. Koristeći svakodnevne materijale kao što su kamen, smola, koža i drvo, istražuje odnos između ljudi i njihovog okoliša te razmatra prirodu vremenskog iskustva. Kao član utjecajnog pokreta Arte Povera koji je dominirao talijanskom umjetničkom scenom 1960-ih, Penone je dao važan doprinos razvoju instalacije, performansa i Land arta.
Izvanredne skulpture Danh Vo
Das Beste oder Nichts, 2010.
U Voinoj se umjetnosti redovito pojavljuju pronađeni predmeti i materijali, a umjetnica ih koristi kao sredstvo izražavanja svoje životne priče. Imala je samo četiri godine kada je s obitelji brodom napustila Vijetnam u pokušaju da stigne u SAD. Nakon što su se izgubili na moru, spasio ih je danski komercijalni tanker i umjesto toga su se smjestili u Danskoj. Voina umjetnost istražuje utjecaj raseljavanja iz Vijetnama na njihove živote. U ovom djelu izlaže motor očevog Mercedesa 190, koji možda izgleda kao motor običnog automobila, ali je za Vo vrlo simboličan. Naslov, koji u prijevodu znači ‘Najbolji ili ništa’, Mercedesov je reklamni slogan, ali također predstavlja očevu odlučnost da uspije na Zapadu. Vo je također izložila i druge predmete koji su pripadali njenoj obitelji, posebno posjede njenog oca i bake, koji su svi bogati osobnom poviješću.
R. H. Quaytman
Constructivismes, Chapter 13, 2009.
U određenim prošlim djelima Quaytman je svoje slike predstavljala naslagane poput knjiga na policama, tako da gledatelji mogu izvući rad koji god žele vidjeti. Same slike su većim dijelom sitotiskane slike na šperpločama obloženim gipsom; Quaytman tako ponekad zakosi rubove drveta kako bi poboljšala njihov privlačan taktilni osjećaj objektnosti. Ideja da se jedna slika uvijek odnosi na drugu, ili da je zamjenjiva, prilično je bitna i ključna za njezin rad. U nekim dijelovima, kao što je slučaj s najvećom pločom u ovom djelu, slika je sitotiskana fotografija drugog umjetničkog djela ili galerijskog prostora. Međutim, često su izvorne slike degradirane do točke nečitljivosti. Quaytmanino razmišljanje o prirodi digitalne ili emitirane slike proteže se na mnoge njezine apstrakcije u kojima koncentrični krugovi ili uske mreže stvaraju blistav moiré efekt poznat iz uvećanih prikaza računalnih i televizijskih ekrana.
Izvanredne skulpture Nairy Baghramian
Class Reunion, 2008.
Osamnaest apstraktnih skulptura koje čine ovo djelo izgledaju poput dizajnerskih stalaka za svjetiljke ili vješalice za šešire. Izrađeni od obojenog metala i lijevane gume, vitki oblici obojeni su crnom ili bijelom bojom, osim jedne koji je flamingo ružičaste boje. Baghramian je svakoj skulpturi dala ime, dajući joj karakter i osobnost: tu su Dandy, Slacker i Mr Hunger. Postavljeni blizu jedan drugome, njihov raspored, uz naslov djela, sugerira druženje. Ipak, jedan posebno stoji sam u kutu, a druga dvojica naslonjena na zid, daleko od gomile. Najjednostavnijim gestama Baghramian evocira važna pitanja koja se odnose na društvenu uključenost i isključenost. Umjetnica rođena u Iranu, koja živi u Berlinu, najpoznatija je po svojim skulpturalnim instalacijama i fotografijama koje ispituju pojam prikaza u kontekstu povijesti umjetnosti i dizajna. Njezini profinjeni i elegantni radovi ukorijenjeni su u minimalizmu, ali također aludiraju na namještaj, dizajn interijera i arhitekturu.
Izvanredne skulpture Hume Bhabha
Bumps in the Road, 2008.
Glava grotesknog izgleda i par rudimentarnih drvenih nogu nalaze se na vrhu zacrnjene platforme. Likovi su u isto vrijeme strašni i apsurdni, pojavljuju se kao žrtve nekog nasilnog napada, ali također posjeduju duhovitu kvalitetu. Izrađena od zahrđalih dijelova automobila, stiropora, novina i drugih trošnih materijala, čini se da je krhka skulptura ili nedovršena ili se raspada. Glava se raspada, izlažući žičani okvir, dok noge koje gaze nesigurno balansiraju na paru metalnih stopala. Ovo je tipično za Bhabhin pristup, i iako se njezini radovi mogu činiti šašavim, oni su zapravo pažljivo izrađeni. Pakistanska umjetnica poznata je po korištenju jeftinih i spašenih materijala; za nju sadrže latentnu, mističnu snagu koja se može osloboditi dok ih oblikuje umjetnikova ruka. Pozivajući se na povijest kiparstva, od antičkih do modernih, Bhabhini radovi bave se temama rata, patnje i raseljavanja dok se obilježavaju žrtve sukoba.
Izvanredne skulpture Jimmiea Durhama
Encore Tranquillité, 2008.
Mali avion jednosjed smrskala je ogromna stijena koja je, kao što izgleda, pala na njega. Zgužvana letjelica svjedoči o destruktivnom događaju koji je već davno prošao; to je dodatno naglašeno činjenicom da je Durham kamen zamijenio replikom od pleksiglasa. Rad je jedan od nekoliko u kojima su različite vrste vozila namjerno uništene kamenjem koje je palo. Velik dio Durhamova rada odnosi se na njegovo Cherokee nasljeđe i povijest autohtonog američkog naroda; ovdje se gromada odnosi na moć koju američki domorodački narod nikada nije imao. Zamršene Durhamove skulpture i instalacije često su protkane humorom, ali snažno dovode u pitanje predrasude i stereotipne reprezentacije autohtonih naroda. Durham je aktivan od 1960-ih i, iako je prvenstveno radio kao kipar, također je prihvatio kazalište i performans, te objavljivao književnost, poeziju i kritičku teoriju.
Rachel Harrison
Alexander the Great, 2007.
S maskom Abrahama Lincolna na stražnjoj strani glave, figura podsjeća na rimskog boga Janusa s dva lica. Poput drevnog božanstva, Harrisonino djelo gleda naprijed i unatrag, gledajući istovremeno u prošlost i budućnost. Oslikava umjetničinu fascinaciju evolucijom skulpture, od njezinih najranijih početaka do njezine moguće budućnosti. U Harrisoninim raskošnim sklopovima, reference na popularnu kulturu, arhaične kipove i povijest umjetnosti sudaraju se s masovno proizvedenim potrošačkim predmetima i ručno izrađenim oblicima izrađenim od pileće žice, polistirena, boja i drugih komercijalno dostupnih materijala. Njezin pristup podsjeća na pop umjetnike 1950-ih i 60-ih, koji su svoje slike crpili iz masovnih medija i potrošačke kulture. Međutim, Harrisonina djela nadilaze noviju povijest umjetnosti, spajajući ideje i slike iz cijeloga svijeta i kroz stoljeća.
Izvanredne skulpture Rebecce Warren
Dark Passage, 2004.
Radeći sa sirovom glinom od sredine 1990-ih, a u novije vrijeme i s oslikanom broncom, Warrenina je umjetnost uključila značajan udio ženskog oblika, često perverzno iskovanog s neočekivanim pretjerivanjima i prigušenjima. U Dark Passageu, čini se da se težište želi pomaknuti. Glava mu je toliko smanjena da bi to mogao biti samo još jedan pramen kose, a ruke su potpuno izostavljene. Često se te fuzije uvećanih ili nedostajućih dijelova odnose na kiparske zavoje prošlih majstora, posebice Picassa, Degasa i Rodina. Warrenina gipka ili prenapuhana pojava također posuđuje određene obline i stavove od fotografa Helmuta Newtona i crtača Roberta Crumba, a u njezinim se naslovima često pojavljuju filmovi i pjesme. U središtu ovog vrtloga pop i high art prikaza nalazi se prostor pod pritiskom u kojem Warrenine forme snažno dolaze do izražaja.
Richard Deacon
Red Sea Crossing, 2003.
Dvije velike forme izrađene od hrastovine i nehrđajućeg čelika uvijaju se i namotavaju po podu galerije. U svakoj su tanke, vijugave petlje od drveta isprepletene vrpcama od hrastovine koje su savijene, zaobljene, zalijepljene i pričvršćene iglama. Deaconov naslov odnosi se na biblijsku priču koja govori o bijegu Izraelaca iz Egipta, a uzak jaz između dviju polovica skulpture evocira razdvajanje Crvenog mora. Deacon je bio središnja figura pokreta Nove britanske skulpture 1980-ih i poznat je po svojim velikim djelima, od kojih su mnoga postavljena u javnom prostoru. Fizički čin izrade za njega je izuzetno važan, iako za razliku od tradicionalnih kipara on ne kleše i ne oblikuje; umjesto toga, on konstruira koristeći tehnike razvijene za proizvodnu industriju.
Izvanredne skulpture Ibona Aranberri
Gaur-Egun (This is CNN), 2002.
Stvorena po sjećanju, ova drvena skulptura rudimentarna je kopija djela Nèstora Basterretxee koje visi u skupštinskoj dvorani baskijskog parlamenta. Predstavljajući stablo od sedam grana, originalna hrastova skulptura Basterretxea simbol je tradicionalnog sastajališta baskijskih političkih skupština u Guernici i, od ranih 1980-ih, pruža pozadinu za sve političke aktivnosti u skupštini. Aranberrijeva mentalna rekonstrukcija govori o činjenici da je djelo postalo ukorijenjeno u popularnoj mašti nakon što je beskrajno reproducirano na novinskim fotografijama i televizijskim izvješćima. Nadalje, umjetnik je transformirao svoju verziju u funkcionalni radio s AM/FM kotačićem i zvučnicima. Sučelje prirodnog svijeta i ljudske kulture središnja je briga umjetnika čije skulpture i instalacije istražuju odnos između politike, prirode i društva. Dekodiranjem poznatih slika, znakova i predmeta, on izaziva popularne vrijednosti i propituje društvene predrasude.